5 July, 2020
 

Design francese: opere rare e iconiche di Jean Royère guidano l’asta di Phillips a New York

La vendita offre una forte selezione di design francese del dopoguerra, ancorata a un’impressionante selezione di opere di Jean Royère. A guidare l’asta è il divano rosso Ours Polaire. Jean Royère progettò per la prima volta il divano Polaire Ours per le stanze che occupava nell’appartamento di sua madre in 234 rue du Faubourg-Saint-Honoré in occasione della ristrutturazione della sua residenza nel 1947.

Inizialmente il design fu lento per guadagnare slancio, ma presto il il divano divenne onnipresente negli interni di Royère tra la fine degli anni ’50 e l’inizio degli anni ’60. Oggi è riconosciuto come uno dei suoi design più iconici e ricercati. La morbida forma rotonda del nostro è in linea con l’estetica stravagante di Royère e lo stile biomorfico già in piena vigore negli anni ’50. Il presente lotto conserva l’originale rivestimento rosso spesso, un colore che Royère ha particolarmente preferito per questo design.

Jean Royère- Raro comò “OEuf”, circa 1956 – Stima: $ 100.000-150.000

Tra le opere di Royère c’è anche una poltrona Boule, acquisita nel 1957 dall’architetto Nadim Majdalani a Beirut. Majdalani aveva incontrato Jean Royère a Parigi e successivamente, alla fine degli anni ’40, i due aprirono insieme un ufficio di decorazione e architettura, un sindacato che sarebbe continuato negli anni ’60. Royère e Majdalani collaborarono a numerosi interni residenziali e commerciali in tutto il Libano, che all’epoca stavano vivendo una grande crescita e nuove costruzioni. Una rara cassettiera è un ulteriore punto culminante di Royère nell’asta. La cassettiera è stata creata seguendo la sedia Œuf del 1954; mentre la sedia è diventata una caratteristica regolare nei suoi interni, gli altri mobili sono molto meno onnipresenti, documentati in pochi punti.

Verranno offerti anche tre lotti della Commissione Lewisohn di Claggett Wilson, tra cui una credenza, un tavolo da pranzo allungabile e un set di dodici sedie da pranzo. Membri ricchi e progressisti della società di New York all’inizio del XX secolo, Mr. e Mrs. Sam Lewisohn hanno trovato in Wilson un partner creativo che ha concepito uno schema interno molto originale. Wilson era un artista americano modernista, i cui dipinti sono ora nelle collezioni dello Smithsonian American Art Museum e del Metropolitan Museum of Art. Come molti artisti a New York in questo momento, Wilson non discriminava i medium e oltre a dipingere e illustrare, disegnava anche costumi e scenografie. La diversità dei suoi progetti suggerisce che potrebbe aver progettato altri mobili oltre a quelli per la sala da pranzo Lewisohn, ora gli unici esempi esistenti conosciuti. Un articolo su Claggett Wilson, probabilmente pubblicato intorno al 1933 nella Boston Evening Transcript (una fotocopia sopravvive negli archivi di uno degli eredi di Wilson), cita Henri Matisse osservando nella stanza: “È forse lo sfondo più ideale per i miei quadri che ho ancora visto. ”Scoperto negli anni ’70 e conservato in collezioni private fino ad ora, questa è la prima volta che l’attuale suite di mobili arriva sul mercato pubblico dal 1939.

Claggett Wilson – Set di dodici sedie da pranzo, circa 1930, stima: $ 40.000-60.000 e Tavolo da pranzo allungabile, circa 1930, stima: $ 18.000-24.000

Jeroen Verhoeven – “Lectori Salutem”, 2010 – Stima: $ 120.000-180.000
 

Max Lamb – “Poly Poly Chair”, progettato nel 2006 – Stima: $ 8.000-12.000.


A guidare la selezione contemporanea in vendita è Lectori Salutem di Jeroen Verhoeven. Il lavoro di Verhoeven reinterpreta le tradizioni del design olandese attraverso i mezzi della tecnologia moderna, mentre osserva il modo in cui la tecnologia si sta sviluppando a una velocità tale da farci abituare. Il suo lavoro ha suscitato l’attenzione globale quando ha creato Cinderella Table, realizzato per la prima volta nel 2005-2006. Jeroen ha continuato a creare Lectori Salutem nel 2010, portando il processo e i materiali a livelli completamente nuovi. Lavorando con il supporto collaborativo di suo fratello gemello Joep, Jeroen ha concepito una scrivania che si baserebbe nuovamente su una silhouette storica, in questo caso tratta da un disegno di François Linke. Invece di essere ricavato da un materiale solido, il pezzo è stato costruito con non meno di 150 pannelli separati di acciaio inossidabile, assemblati usando 2.300 bulloni.Una selezione di opere di Taxile Doat dalla collezione di Ann e Robert Fromer. Tra i punti di forza contemporanei c’è la Poly Poly Chair di Max Lamb, una creazione unica che proviene dalle nuove sperimentazioni di Lamb su forma, materiale e tecnica, progettata nel 2006. La sedia è stata creata usando il processo di fusione a schiuma persa, un metodo di produzione altamente non convenzionale per la realizzazione di mobili. Lamb immerge un modello di polistirene espanso della sedia nella sabbia, quindi vi versa bronzo fuso per sciogliere la schiuma, conferendo alla sedia la sua superficie unica e ricca di perline. A questo proposito, la sedia è sia originale che parte di una serie più ampia, con un esempio attualmente appartenente alla collezione permanente del Museo di arte moderna di San Francisco.

L’asta presenta ceramiche dalla collezione di Ann e Robert Fromer, inclusi esempi di Paul Jeanneney, Taxile Doat, Auguste Delaherche e altri. Collezionisti precedenti con una passione condivisa, i Fromers iniziarono ad acquisire arti decorative quasi cinquant’anni fa, un fatto che si riflette nella portata consapevole della loro collezione che abbraccia la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. La collezione Fromers narra in modo appropriato lo storicismo e lo spirito innovativo di questo periodo, dimostrando come il naturalismo, le influenze giapponesi e le rinascite storiche della fine del XIX secolo hanno lasciato il posto agli stili progressivamente grafici e pittorici dell’Art Deco. In questi primi anni di riscoperta, senza la ricchezza della borsa di studio e della storia del mercato ora a nostra disposizione, i Fromer riunirono comunque una collezione degna di museo delle opere più raffinate e rappresentative del periodo.

Presenti anche due opere di gioielleria di Alexander Calder nell’asta di design di dicembre. Creato al culmine del riconoscimento di Calder, quando i suoi disegni adornavano l’intellighenzia alla moda dell’Europa e degli Stati Uniti, la delicata spilla di Cape Clasp e Six Circles mette in mostra la capacità dell’artista di creare arte da indossare. Realizzato delicatamente a mano, ogni pezzo unico aggiunge un’altra dimensione all’esperienza del lavoro di Calder, consentendo un livello di coinvolgimento tangibile, portatile e altamente personale. Creato intorno al 1940, Six Circles è emblematico della capacità tecnica dell’artista. Una volta il pezzo apparteneva all’artista Aviva Baal Teshuva e al marito Jacob, un rinomato critico di arte moderna e contemporanea che in seguito scrisse una pubblicazione su Calder. Creato nel 1936 e che vanta un’eccezionale provenienza, Cape Clasp faceva parte della collezione di Mary Rockefeller Morgan, essendo stata originariamente acquisita da Nelson A. Rockefeller, il noto collezionista, filantropo e 41 ° Vicepresidente degli Stati Uniti, che era anche Fiduciario, Tesoriere e presidente del Museum of Modern Art di New York in un momento in cui il museo ha iniziato a tracciare un’equivalenza tra gioielleria e arte contemporanea. Opera antica realizzata in argento, l’elegante chiusura gioca con possibilità scultoree nel regno dell’abbigliamento funzionale. Un anello apparentemente infinito di argento luccicante parla del rigore concettuale della geometria, mentre le estremità asimmetriche scanalate e i rivetti formati a mano ricordano il tenero capriccio delle prime sculture rappresentative in filo di Calder.
La vendita di Design con opere della collezione di Florence Knoll Bassett. Può sembrare sorprendente che Knoll Bassett, il pioniere dell’elegante estetica che arrivò a definire l’interno dell’ufficio postbellico americano, raccolse le pale meteorologiche del diciannovesimo secolo. Sebbene queste sculture possano sembrare incongrue, questo abbinamento mette in luce la tradizione della cosiddetta arte primitiva e del modernismo con una lunga storia intrecciata. Wassily Kandinsky estrasse l’arte popolare russa come fonte d’ispirazione mentre Picasso e altri artisti che lavoravano a Parigi collezionavano sculture africane. Verso la fine degli anni ’50, quando Firenze scoprì le banderuole “per capriccio” durante un viaggio a Parigi con il suo secondo marito Harry Hood Bassett, la prima America continuò a servire come fonte d’ispirazione per artisti americani e importanti collezionisti. Anche se Florence Knoll Bassett non sembra aver incluso le pale meteorologiche in nessuno dei suoi interni d’ufficio, esse appaiono nelle immagini della sua casa estiva nel Vermont. Acquistò le vele nel Vermont e nei numerosi negozi di antiquariato situati vicino allo showroom Knoll nel centro di Manhattan e fece tesoro della sua collezione abbastanza da portarla con sé quando lei e Bassett si trasferirono a Coral Gables, in Florida, nel 1965 e infine nel suo ultimo residenza a Coconut Grove, dove ha mostrato un gruppo di grande effetto in un display personalizzato.

Written by

Marika Lion, curatrice del magazine FIRST Arte. Specialista di arte XIX, XX secolo, contemporanea e mercato dell’arte. Opera nel settore dell’Art Heritage Management e nello specifico in area patrimoniale, collezionista e curatore di mostre d’arte. Docente universitario in Economia dell’Arte, Marketing e Comunicazione degli eventi culturali e strategie di comunicazione per la valorizzazione e promozione di patrimoni artistico culturali. Autore di libri e responsabile di collane editoriali dedicate all’arte.

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