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Preraffaellismo a Milano: la suggestiva storia della Dama di Shalott

Palazzo Reale, Milano, ospita fino al 6 ottobre 2019 la mostra “I Preraffaelliti. Amore e desiderio” dedicata alla pittura prerafaellita. Tra i dipinti e disegni esposti, spicca il grande quadro The Lady of Shallot (La dama di Shallot) dipinto da Waterhouse nel 1888. Opera straordinaria che cela tutta la storia del periodo vittoriano e la sua reciprocità tra arte e poesia. L’intensità del dipinto, suggestivo e drammatico ci riporta al vero significato della condizione umana. “A mio parere nessun movimento pittorico è mai riuscito a conferire all’arte un’emozione così forte e con quel realismo che solo l’anima può intimamente provare. L’opera “The Lady of Shalott” è un vero capolavoro di Waterhouse”.

Preraffaellismo a Milano: la suggestiva storia della Dama di Shalott

The Lady of Shalott di Waterhouse è un dipinto iconico e forse uno dei suoi oli più noti. Come in molte altre sue opere, Waterhouse si concentra sulla condizione di una donna bella e tragica. Usa il simbolismo e il realismo per trasmettere la storia basata sul poema di Alfred Lord Tennyson.

John William Waterhouse, in The Lady of Shalott crea una composizione risonante di isolamento e disperazione. I boschi scuri dietro la donna e le canne spettinate in primo piano fanno eco alla donna e alla sua difficile situazione.

L’artista crea un equilibrio nella composizione applicando la figura pallida della donna su un lato del dipinto con l’orizzonte sull’altro, tornando delicatamente verso le colline. Questo equilibrio consente a Waterhouse di dipingere per intero la lunga barca, senza che il dipinto diventi isolato.

La tavolozza dei colori calda e autunnale utilizzata dall’artista riflette il poema e il fatto che The Lady of Shalott sta per morire. Sebbene molti dettagli siano trasmessi in questo dipinto, tutto è prodotto con toni simili, sottolineando i tragici eventi che si svolgono e l’eroina in definitiva infelice della storia. La sensazione autunnale di questo dipinto è catturata dalla scarsa illuminazione che Waterhouse crea. Poiché questa immagine è all’esterno, l’artista usa la luce naturale per mantenere il realismo in quella che altrimenti sarebbe diventata una scena ultraterrena.

La completa assenza di altre persone da questa composizione sottolinea anche la solitudine di The Lady of Shalott e il fatto che la sua morte è ormai inevitabile.

Nella tradizione preraffaellita, Waterhouse usa il simbolismo in tutti i suoi dipinti per aggiungere ulteriore narrativa alla scena. “The Lady of Shalott” non fa eccezione e l’artista usa diverse immagini simboliche per sviluppare ulteriormente la comprensione della scena da parte degli spettatori.

1. Candele sulla barca, due delle quali spente, simboleggiano che la fine della vita della donna a è vicina. 2. L’arazzo che la signora indossava nella sua torre pende dal lato della barca che illustra il resto della poesia. 3. Viene mostrata la donna che sta per lasciar andare la catena che ormeggia la barca, simbolo della sua liberazione dalla torre. 4. La bocca della donna è leggermente aperta, “Cantando la sua ultima canzone”, in diretta correlazione con la poesia. 5. Guarda un crocifisso vicino alle candele, un altro segno della sua morte prematura.

Waterhouse ha sempre usato modelli nelle sue opere per creare forme e posizioni realistiche per le sue figure. Sebbene l’artista non menzioni mai specificamente chi ha modellato per lui in The Lady of Shalott, un modello che è stato conosciuto per essere stato usato da lui nel 1888 è una donna chiamata Jennifer Flora. Altri modelli usati da Waterhouse includono sua cognata Mary e una donna di nome Beatrice Flaxman.


In “The Lady of Shalott ” è la poesia che riemerge come un’allegoria della condizione dell’artista in una società indifferente o addirittura ostile all’arte. L’età vittoriana non era, nel complesso, particolarmente simpatica per l’arte e gli artisti. Molti vittoriani credevano che la poesia avesse avuto il suo tempo e che potesse offrire ben poco in un’era di serio impegno scientifico, industriale e sociale. In parole povere, molti vittoriani credevano che la poesia “non facesse” nulla, che fosse semplicemente pigrizia e frizzante. Altri, forse non più in sintonia con le reali esigenze dell’artista, hanno suggerito che la poesia potrebbe giustificarsi se celebrasse le serie conquiste sociali dell’età moderna – se, in altre parole, si mettesse al lavoro fornendo l’edificazione morale per le masse di lettura.

Certamente, molti contemporanei di Tennyson lo hanno portato a scrivere poesie remote nelle loro meraviglie immaginarie dalle lotte mondane e dai trionfi dell’ora che passa. Tennyson aveva una forte tendenza a idealizzare il rapimento isolato e egocentrico dell’artista nelle sue visioni di bellezza soprannaturale, e questa dottrina “arte per l’arte” è stata oggetto di forti critiche da parte di critici vittoriani ben intenzionati. “The Lady of Shalott” è, in una dimensione, la contesa allegorica di Tennyson a quei critici utilitaristi.

Nello schema allegorico, Camelot rappresenta il mondo del commercio, della politica, della responsabilità sociale e della vita quotidiana. Lo stesso Lancillotto rappresenta le tentazioni della fama e del potere mondani a cui il temperamento artistico cede a suo rischio e pericolo.

Se questa è la visione allegorica di Tennyson sulla posizione dell’artista, è una visione molto lontana dalla forte fede poetica dei suoi predecessori romantici come Percy Bysshe Shelley e William Wordsworth. I grandi poeti romantici avevano creduto nel potere trasformatore della poesia. Credevano che fosse abbastanza forte per agire sul mondo reale e che il poeta era una persona potente – non così Tennyson, almeno non in “The Lady of Shalott“. Se la donna è la poetessa allegorizzata di Tennyson, allora il suo poeta è nascondersi ed è messo in pericolo in un mondo di fatti intrattabili. La donna non può competere con il potere commerciale di Camelot; in confronto, il suo specchio è fragile e la sua rete tenue, e lei si gira da loro solo per essere distrutta.

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